Первая выставка импрессионистов. Клод Моне «Завтрак на траве»

В  собрании музея Изобразительных искусств коллекция произведений художников-импрессионистов является исключительной по качеству и художественной ценности. На экспозиции выставляются полотна, которые были собраны московскими коллекционерами — С.И.Щукиным и И.А.Морозовым. В отличие от московской коллекции, собрание импрессионистов  в музее Орсэ не отличается системностью и полнотой, многие произведения попали туда случайно, порой  со скандалами и со слезами.
В настоящее время уже невозможно представить, что это направление в искусстве могло бы именоваться  как-то иначе. Название «импрессионизм» возникло в устах критиков как насмешка, чтобы лишний раз обидеть и унизить художников. Блестящих мастеров нового направления на протяжении 15 лет обзывали неучами, недоучками, их творения не брали на выставки. Объединение художников существовало  уже 10 лет до того, как они кое-как наскребли денег на  выставку и в 1874 году наконец представили свои полотна.  Экспозиция получила название «Выставка Анонимного Общества живописцев, скульпторов и гравёров». Проходила она в фотостудии известного фотографа Надара. (Кстати сказать,  «Бульвар Капуцинок» был написан из окна студии Надара и посетители выставки могли сравнить городской пейзаж Моне с реальным видом из окна.) На ней присутствовали многие художники, которые разделяли взгляды импрессионистов и входили в их сообщество. 25  живописцев представили свои картины на этой выставке.

Будущие импрессионисты пригласили своих друзей, сочувствующих, которые, может быть, не разделяли их взглядов, но согласились участвовать в выставке. Молодые живописцы наблюдали за публикой, за её реакцией. И давали советы посетителям, как следует рассматривать картины. Оптические эффекты, которые они применяли в живописи, лучше воспринимаются, если стоять не вплотную к полотну, а рассматривать картину с  некоторого расстояния. Художники не ждали от посетителей ничего хорошего. Они знали, как ценители относятся  к их экспериментам искусстве, да и к ним самим. Реакция была ожидаемой. Публика возмущалась, тыкала в картины тростями, картина «Бульвар Капуцинок» даже пострадала на глазах автора, Клода Моне. Особенно ярый противник новаторства в живописи бил её тростью и проколол в нескольких местах, в картине были дыры. Те деньги, которые будущие импрессионисты собрали от этого показа, пошли на реставрацию картины, хотя они надеялись  получить хоть какой-то доход.
После выставки в прессе появился ядовитый фельетон (topical satire) критика Луи Леруа, озаглавленный «Выставка художников-впечатленцев». Критик присутствовал на выставке, бегал по залу и переписывал название картин в блокнот. В своём фельетоне Леруа прицепился к Клоду Моне, который одну из своих картин назвал «Впечатление. Восход солнца». Он ругал Моне за такое отношение к искусству, подвергая критике возможность выбора первого впечатления для сюжета картины. «Я не вижу никакого восхода, одно только впечатление» — писал он в этой заметке. И как мы сейчас знаем, импрессионисты не только приняли эту кличку,  (nickname)  но и сделали её официальным названием  (title) своей группы.

Слово «имперссионизм» особенно понравилось Клоду Моне. Он объявил, что первое впечатление для него имеет первостепенное значение. Все остальные согласились, подумав, что название довольно нейтральное, никакой ругательной подоплеки не несёт, и приняли  это понятие за официальное название своего объединения. Третья выставка импрессионистов, в 1877 году, проводилась уже под официальным названием объединения – выставка импрессионистов.

 Клод Моне стал признанным  (acknowledged)  лидером группы. История импрессионизма неотделима от его творческой биографии (creative biogrophy) . И совсем не случайно, что название  картины Клода Моне дало имя целому направлению в искусстве. 

Моне вырос в Гавре, там же стал  рисовать пейзажи на пленэре по совету хорошо известного художника Эжена Бутена. Из своих наблюдений (from his observation) художник заключил, что в природе нет постоянных тонов и цвет каждого предмета меняется в зависимости от света. Работа на открытом воздухе стала неотъемлемой частью его искусства.
«Я хочу поймать момент: атмосферу и свет, рассеянный в нём» — признавался художник. Желание перенести немедленное впечатление от мотива требовало радикальных изменений (revision) в фундаментальных принципах изображения. Его интерес к проблемам света и цвета дали художнику возможность (enable) совершенно отказаться (renounce) от предмета, тогда как его поэтическое восприятие мира помогло предугадать художественную красоту даже в самых обыкновенных мотивах природы.
Вибрация отдельных движущихся мазков стала самой сущностью работ Моне. На его холстах объекты потеряли свою плотность, превращаясь в бесконечное число световых рефлексов, которые создают единую среду света и атмосферы.

(On his canvases objects lose their density, breaking up into an infinite number of light reflexes, which create a single medium of light and atmosphere,)

Место больших этюдников (large easel) заняли эпизоды или этюды, которые приобрели статус законченной работы, но всё ещё сохраняли (retained) всю свежесть быстротечного (fleering) визуального эффекта.
В собрании музея хранятся 11 работ Моне. (Первоначально в собрании С.И.Щукина и И.А.Морозова было около 600 работ французских мастеров рубежа веков).
«Завтрак на траве». Все специалисты очень ценят эту работу, потому что на ней видны подпись самого Моне и дата 66 (1866 г.) В это время и импрессионисты, и барбизонцы работали на пленэре вместе, в одних и тех же местах и последователи так называемой барбизонской школы живописи давали молодым художникам советы.  (Клод Моне познакомился с Ренуаром и Сислеем когда учился в мастерской Глеера).

Свою картину «Завтрак на траве» Клод Моне назвал в честь выдающегося мастера Эдуарда Мане. Признанный художник сначала относился к Клоду Моне весьма неприязненно,  Клод, не поставив Эдуарда в известность, сделал его своим кумиром. И не только он, все импрессионисты уважали и равнялись на Эдуарда Мане. Постепенно сам Мане изменил свою точку зрения о Моне и они сблизились, поэтому Клод назвал одну из своих картин в честь своего кумира,потому что у Эдуарда Мане есть сюжет с таким же названием.

«Недоучки» — это был один из самых безобидных эпитетов, которым называли импрессионистов, ведь полный курс Академии закончил только Эдгар Дега. Клод Моне решил доказать — чтобы писать картины не обязательно шесть лет перерисовывать скульптуры. В «Завтраке на траве» он следует некоторым академическим традициям. Деревья в композиции играют роль классической театральной кулисы. Все фигуры вписаны в геометрические формы – эллипсы, треугольники, прямоугольники. Но здесь нет разделения на группы главных и второстепенных героев. Это – толпа. Даже лица написаны схематично.

Интересно то, что картина была целиком написана на пленере. Импрессионисты отказались от метода барбизонцев доводить картину в студии. На полотне хорошо видно, как играет солнце! Оно здесь – главный герой!  Пикник же со всеми его участниками – только повод, чтобы написать этот свет!

 Не случайно, что Моне использует белую скатерть для изображения сияющего солнечного света. Вряд ли реальные девушки, собираясь на пикник, взяли бы с собой белоснежное полотно. Во-первых – это непрактично, во-вторых просто белый цвет скучный, они наверняка прихватили бы с собой что-то весёленькое. Но ведь именно белая скатерть была нужна Моне для того, что бы показать, как играют солнечные блики.

 Здесь Моне решает вопрос как показать пластику фигур не используя черный цвет. Он достигает этого контрастом тёплых, горячих цветов и холодных тонов. На переднем плане – горячие тона, потом – тёплые, а задний план рисуется холодными красками. 

Работая над «Завтроком на траве» Моне наблюдал за цветом этой травы в разное время суток и записывал свои наблюдения! Ему удалось наглядно представить, как меняется цвет травы в течение дня при различном освещении.

На самом деле изыскания импрессионистов были основаны на научных открытиях. Клод Моне был знаком с оптической теорией Германа Гельмгольца –  немецкого физика и оптика. Его книга была настольной в доме Моне. Гельмгольц доказывает, что чёрного цвета в природе нет вовсе. Импрессионисты изгнали чёрную краску со своей палитры. 

  Также импрессионисты узнали, что белого цвета в природе тоже нет! Существует только семь цветов, внутри каждого из них – тысячи оттенков.

Бросается в глаза и ещё тот факт, что «Завтрак на траве» значительно отличается размером от других картин на экспозиции. Представьте, как неудобно было таскать с собой это полотно. И сколько дополнительной работы приходилось делать – копать яму, чтобы установить туда картину, чтобы удобно было держать верх или середину на уровне глаз. Отскребать мошек, прилипших к ещё не застывшей краске, очищать от пыли, запачкавшей картину при порыве ветра и пр. Добиньи, о котором речь шла на первом этаже Галереи, было несколько удобней, потому что он работал на лодке. И импрессионисты тоже пришли к выводу, что гораздо легче брать с собой холсты небольшого размера. 

Это произведение написано на основе этюдов, но заканчивалось в ателье. Моне задумал его как огромное полотно, размером 3X5 метров. Это была неудачная попытка пробиться в салон 1866 года. (Салон в то время был единственной возможностью представить себя публике и одновременно служил синонимом художественного качества. Если художник не был представлен в салоне, его никто не знал и не покупал. Нашумевшая выставка 1874 года — это попытка пробиться, поддержать себя материально).

Затем Моне разрезал полотно на 3 части, 2 из которых сейчас хранятся в музее Орсэ, в Париже. Позже мастер повторил этот сюжет, благодаря чему существует уникальная возможность оценить (estimate) его замысел. Эта картина ещё тяготеет к салонному искусству. Дело не только в размерах, но и в композиции — она замкнута и самодостаточна. (self-sufficient) Фигуры справа и слева повёрнуты к центру, что делает композицию замкнутой. Здесь нет эффекта фрагментарности.  Использование художником чёрного цвета (земля, тени, стволы деревьев) говорит о желании создать академическое полотно.

Но здесь очень много абсолютно новаторских идей, которые не могли оценить официальные критики. Почему:
1.Сюжет. Пейзаж для понимания академиков был либо обителью нимф (как у Коро — нимфы, Дианы..), либо крестьян, либо животных. А здесь — горожане на природе! Такого ещё ни у кого не было!
2. Моне НЕ пытается устанавливать жанровые связи между горожанами, обыгрывать из взаимоотношения. «Дерзкий» (impudent) — сказали о Моне, потому что он изобразил героев первого плана, стоящими спиной к зрителю! Каждый знает, что на выставке, салоне», все зрители – потенциальные покупатели и художник должен почтительно относиться к покупателю. А здесь они стоят спиной к покупателю! Этим героям нет дела до того, что происходит за рамками картины. Они объединены тем эффектом, который никогда прежде в искусстве не обыгрывался до такой степени — ИГРОЙ СВЕТА. (play of sunlight)

3. Моне даже НЕ ПЫТАЕТСЯ показать, что это разные люди. Моне намеренно изображает только трёх человек, которые ему позировали. Один из них — друг художника, Фредерик Базиль (он погиб очень молодым, в 29 лет, когда его призвали на войну, где он был убит шальной пулей) изображён дважды – стоит слева и лежит под деревом в правом нижнем углу. Художник Ля Грон — сидит у скатерти и Камилл Донсье, он тоже сидит у скатерти. Женские фигуры — невеста Камилла Донсье — у скатерти. А все остальные женские фигуры, которые он изображает со спины и в глубине, поправляющая шляпку, взяты с обложек модных журналов.

Когда он писал этюды к этой картине, его увидел за работой художник Гюстав Курбе. Он заметил, что Моне очень долго не приступает к работе. Курбе уже успел покрыть холст грунтом и сделать набросок, а Моне всё ещё не начинал. И на вопрос, чего же тот ждёт, Моне ответил, что ждёт нужного ему света. Курбе посоветовал писать пока предметы третьего плана, но Моне совету не последовал, так как прекрасно понимал, что невозможно писать даже разноплановые предметы  в разном световом режиме. Свет  в природе соединяет буквально всё. Мастер  изобразил эффект игры света, который сквозь листву начинает падать на скатерть, на платье, играть на земле и объединять все предметы.

(He was intrested not so much in portraying everyday details, as conveing the play of sinlight on the ladies’ dresses and the tablecloth spread on the grass).

И хотя Моне доводил полотно в ателье, он понял главное — как бы он ни старался, он не сможет передать все эффекты пленэрного освещения в студии. И тогда он решил полностью работать на пленэре. И хотя Моне ещё пытался писать большие полотна, но ему пришлось отказаться от этого. Моне и Ренуар поняли, что нужно  довести до совершенства то, что считалось вспомогательной стадией и не сохранялось, чему не придавалось значения (эскиз, набросок). Эскиз надлежало превратить в законченную картину. Надо сказать, что Моне был посредственным рисовальщиком и поэтому его картины вначале не покупались, в отличие от Ренуара, который рисовать умел.

 О следующем этапе творчества художника мы расскажем в репортаже «Клод Моне. Стога, вода и лилии». 

 

 

Поделиться в
Звёзд: 1Звёзд: 2Звёзд: 3Звёзд: 4Звёзд: 5 (Пока оценок нет, будьте первым! Оцените пожалуйста материал.)
Загрузка...

Комментарии 1

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *