Коллекция итальянской живописи – одна из самых полных в ГМИИ. Она начала складываться ещё до 1917 года, но значительно расширилась в 1924 году, в основном, за счёт поступлений из Румянцевского музея. Ещё одним источником пополнения музейного собрания итальянской живописи стала национализация частных коллекций в Москве и загородных резиденциях. Поступали полотна и из Санкт-Петербурга, из коллекций Юсуповых, Строгановых, Шуваловых. В настоящее время в ГМИИ находится около 550 работ итальянских мастеров, но в залах можно видеть только около 150 полотен. Однако, экспозиция достаточно полно отражает развитие итальянского искусства с XIII до XVIII веков.
Чтобы лучше понять задачи, которые решают итальянские мастера в XVI-XVII веках и проследить эволюцию творчества, следует кратко вспомнить работы мастеров, им предшествующих. Они представлены на первом этаже в зале № 7 .
Несомненный шедевр в собрании ГМИИ – работа Боттичелли “Благовещение”, две створки алтаря.
Мастера Возрождения любили этот сюжет, но очень по разному трактовали его. Здесь перед нами предстают бесплотные образы Архангела Гавриила и Девы Марии. Архангел сложил руки на груди и умоляет Деву Марию принять Благую весть, которую он ей принёс. Так же легка и воздушна фигура Марии. В ней мы видим и одухотворённость, и порыв души, и печаль. В манере исполнения легко узнаётся рука мастера, которую мы ни с кем не перепутаем. Это характерная черта именно Эпохи Возрождения.
(В скобках можно обратить внимание на такую деталь, которая раньше, в византийской традиции вряд ли была возможна. Архангел Гавриил – небесный ангел, спустившись на землю, на картине художника обретает человеческую плоть. Его фигура отбрасывает тень, которой не должно быть у небесного жителя).
Рядом с Ботичелли, представлена картина Джованни Антонио Больтраффио. Работа называется, не «Святой Себастьян», а «Портрет юноши в образе святого Себастьяна», написана она в последнее десятилетие XV века. Больтраффио – ученик Леонардо. Он изобразил живого человека, это портрет конкретного юноши.
Позировал Больтраффио 14-летний мальчик-подмастерье, на первых порах он был уборщиком в студии мастера. (Попасть на обучение ремеслу художника было не так просто, нужны были связи в определённых кругах. Мастера не брали к себе людей с “улицы”). Позже сам юноша стал художником. Обладая таким красивым лицом он часто позировал другим мастерам, но, как правило, с него писали образ Мадонны.
Изобразить современника – такой сюжет мог создать только мастер эпохи Ренессанса, никак не раньше. Но это совсем не образ молодого мужчины, какой он есть, каким он был. Это идеализированный образ, такой, каким этот юноша должен быть. И это тоже характерно именно для Возрождения.
Ещё одна картина в нашем собрании – это «Мадонна с младенцем» Перуджино. Он был учителем Рафаэля. (В нашем собрании нет полотен Великих Мастеров, только работы их учителей и учеников). Этот мастер уже стал превращать икону в картину. Перед нами прекрасная женщина, которая заботится о своём ребёнке.
Она максимально приближена к земной жизни. Изображение Богородицы уже очень далеко ушло от изображения Царицы Небесной, как было принято в византийской традиции, когда Дева Мария представала недосягаемой для человека.
От этих же традиций идёт и Аньоло Бронзино. Картина «Святое семейство» происходит из собрания Строгановых. В 1928 году она поступила в «Антиквариат» – специальную комиссию, занимающуюся продажей художественных ценностей за границу, но, по счастливой случайности, её не купили и передали в Эрмитаж, а уже оттуда, в 1932 году, привезли в ГМИИ в обмен на полотно Рубенса. (Через “Антиквариат” из ГМИИ было продано 250 полотен).
В середине XVI века картину заказал Козимо Медичи, великий герцог Тосканы, его портрет, тоже кисти Бронзино, находится в нашем собрании.
Козимо Медичи – холодный и надменный властитель северной Италии.
Он укрепил свою власть путём беспощадного террора, не останавливался ни перед предательством, ни даже перед убийством собственных детей. Но в портрете Бронзино характер вельможи скрыт под маской надменности и бесстрастия. Такому впечатлению способствует и манера живописи с её гладкой фактурой и достоверностью деталей.
Следует вспомнить, что в XVI веке Италия переживала не лучшие времена. Рим был разграблен войсками императора Карла V, пала Флорентийская республика. В искусстве Италии уже не стало столь значительных имён, как Леонардо и Рафаэль. Наступает тирания Медичи. Рушится цеховая система мастеров. Знать стала заказывать художникам свои портреты, гобелены. Всемогущий Козимо Медичи заказывал картины у Аньоло Бронзино.
Но традиции Возрождения были ещё очень сильны в искусстве того времени. Стиль Ренессанс, или Возрождение получил своё название, потому что художники обратились к уже забытым тогда греческим и римским образцам. В картине Бронзино «Святое Семейство» очень хорошо прослеживаются античные традиции.
Руки персонажей – удлинённые. Красивы аристократические фигуры героев, каждое лицо – идеал греческой красоты с удлинённым прямым носом и греческим профилем. Младенцы написаны, как амуры. Иосиф тоже написан, как грек, у него чеканный, классический профиль.>
Весьма интересна поза Богородицы – она сидит на земле и этим художник выразил смирение Девы Марии. Но вся её фигура, стан, поворот головы, прямая спина, царственная осанка – в позе нет и ни тени смирения. Наоборот, художник изобразил идеал гармоничного и прекрасного образа. Богородица уподоблена греческой богине.
И в этом художник тоже следует античным образцам. Ведь красота персонажей отнюдь не располагающая и смиренная. В лицах и Девы Марии, и Иосифа красота холодная и мраморная. Богоматерь даже не смотрит в сторону младенца Христа, она погружена в себя. И точёный греческий профиль Иосифа тоже не выражает ни заботы, ни нежности, его образ каменный, надменный, мраморный, не живой.
Все персонажи картины «Святое семейство» – это не отвлечённые и придуманные образы. У героев картины есть реальные прототипы. Лицо Пресвятой Богородицы списано с лица Элеоноры Толедской, несколько ранее Бронзино написал «Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни». Картина находится в собрании Галереи Уффици.
В лице младенца Христа явно угадываются черты лица сына Элеоноры.
А Иосиф – ни кто иной, как сам Козимо Медичи.
Изображение Элеоноры в образе Богоматери – это явный реверанс в сторону графини Толедской.
Художественными средствами Бронзино говорит, что Элеонора также красива, как сама Богородица.
Но, изображая Деву Марию, художник тоже использует особые средства. И если на портрете Элеоноры Толедской ткань выписана не менее тщательно, чем лицо, глаз ощущает переливы дорогого бархата, то качество ткани покрова Богородицы мы не можем определить. Это не шёлк, не сатин, не парча и не бархат. Это просто некая ткань. И здесь художник бравирует своим мастерством, выписанные таким образом складки, светотень драпировки говорят о высочайшем мастерстве Бронзино, об его умении виртуозно владеть кистью. Мастер считает, что главное в живописи – это линия. Линия – важнее всего.
Таким образом, Аньоло Бронзино опирается на открытия своих предшественников. Он вобрал всё лучшее, что накопили итальянские мастера прошлого. Именно от Леонардо да Винчи Бронзино взял рисунок и линию. От Рафаэля он идёт в передаче света. Опирается на Тициана в выборе цветовой гаммы. Здесь прослеживается начало новой, хоть и короткой эпохи в искусстве – эпохи маньеризма, когда мастера вобрали в себя всё лучшее от предыдущих эпох и переработали, пересмотрели традиции.
Чтобы до конца раскрыть тему «Святого Семейства» Бронзино, следует вспомнить работу великого Микеланжело “Святое семейство”. (Флоренция. Галерея Уффици).
Поза Богородицы у Микеланжело подобна позе, выбранной Бронзино.
Такой изгиб фигуры называется серпентината. Но у Бронзино фигура Девы Марии развёрнута совсем в другую сторону, мастер дал её зеркальное отражение. И у Микеланжело вся фигура вписана в круг. Такой же круг даёт и Бронзино. Если провести линию, соединяющую лица героев, то мы увидим, что вся композиция вписана в круг. Бронзино было бы намного легче заключить композицию именно в круг. Но мастер не ищет лёгких путей. Он берёт прямоугольник, более сложную форму. Именно поэтому, стопа ножки Иоанна Крестителя отрезана, так и отрезана фигура Иосифа.
Такой формат нужен художнику чтобы подчеркнуть значимость картины и свое мастерство. Такое стало возможно лишь на закате Возрождения. Когда стиль только зарождался, художники не могли даже и помыслить об этом.
Живопись Возрождения была призвана отражать реальный мир, человека же изображать прекрасным и всесильным.
Несомненно, с течением времени в обществе происходит переосмысление идеалов и в XVII веке искусство Италии совершенно меняется. Художники продолжают искания, начатые в XVI веке и отвергают многие находки, казавшиеся незыблемыми ранее.
Продолжение рассказа на втором этаже, в зале № 18.
Бернардо Строцци. “Старая кокетка”.
Некоторые снимки взяты с сайта ГМИИ.
