Пикассо в ГМИИ.
Пабло Пикассо – одна из величайших фигур в искусстве ХХ века. Для ХХ века Пикассо в живописи – это Чарли Чаплин в кино или Эйнштейн в науке. В коллекции ГМИИ его творчество представлено работами 1900-х и 1910-х годов.
Пикассо довольно рано стал художником. Он учился в нескольких испанских живописных школах сначала в провинции, затем в Мадриде и все учителя говорили ему, что они не могут его чему-нибудь научить, что он сам может всё.
В конце XIХ века Пикассо переехал в Барселону и какое-то время жил там, там же сформировались некоторые из его художественных идей. Следует помнить, что Испания в это время была задворками Европы, Барселона – просто порт, очень бедный город. Именно поэтому тема бедности, духовного убожества стала главной в его испанских сюжетах.
С 1900 года Пабло Пикассо начинает часто наведываться в Париж. В это время столица Франции стала Меккой для всех художников. Там же, в Париже начинается т.н. “голубой период” творчества мастера.
Самая ранняя картина в собрании – “Свидание”.
Картина отличается чувственно – звериной композицией. Здесь представлена спальня проститутки, на полотне выделяются 2 ярких пятна – её ярко-красная юбка и копна рыжих волос. В этом полотне ощущается влияние декоративности модерна и первое впечатление от Монмартра.
«Портрет дамы». Это полотно отличает не закрашенный фон. Пикассо мог использовать такой приём, поскольку работал гуашью на картоне.
Можно сравнить это произведение с работами Гогена, например, с его «Женой короля». Французы Гогена не полюбили за мужеподобную красоту таитянских женщин. А здесь Пикассо лишь «чуть-чуть» касается кистью картона.Этот шедевр является особой гордостью ГМИИ.
«Портрет поэта Сабартеса (кружка пива)». Это портрет друга Пикассо, Сабартеса, который впоследствии стал секретарём художника. Фигура даётся плоско. И очень неестественный изгиб руки. Пикассо намеренно пишет руку таким образом, чтобы она не выпала из плоскостного пространства.
Картина стала предвестником (harbinger) голубого периода творчества.
“Арлекин и его подружка”. Мастер развивает тему, которая была характерна для раннего периода его творчества – это одиночество вдвоём. Герои рядом, плечо к плечу, но они не вместе. Сцена происходит в парижском кафе, где цирковые артисты и актрисы собирались, чтобы найти работу. Тема творческого человека стала ключевой для художника.
В этой картине Пикассо символизирует тяжесть бремени, которое взваливают на себя люди, когда они посвящают свою жизнь искусству и повсюду встречают непонимание (misunderstanding) и издёвки.(mockery)
Картина была приобретена И.Морозовым в Париже, в 1908 году.
“Старый еврей с мальчиком”. 1903. Эта картина – программная работа голубого периода.
1.Пространство картины выглядит очень ограниченным и узким, совсем без воздуха, недостаточным для героев картины. Кажется, что люди сидят в углу жизни, в этом мире для них совсем нет места.
2.Пикассо показывает два возраста – беззащитную старость и ещё более беззащитная юность. Они кажутся опорой друг друга, как бы образуют единство, даже сидят очень близко друг к другу. Контраст подчёркивается в изображении глаз героев – у одного они закрыты, у другого – широко открыты.
3. Старик – слепец. Это очень символично для художника. Здесь он проводит параллель между слепым и художником, задача которого проникнуть (именно проникнуть, а не увидеть, разглядеть глазами души) за покров видимого, различить внутренний мир, внутреннюю жизнь души модели.
4. Голубой цвет – немного светлее на фоне картины и сгущается в одежде героев. Голубой и ультрамарин – цвета одиночества, тоски и смерти. Так случилось, что Пабло Пикассо в Париже был очень одинок. Он едва мог говорить по французски и общался только с испанцами.
“Девочка на шаре”. В 1961 году Пикассо просил Пушкинский музей ( директора музея, И.А.Антонову) разрешить ему представить картину на его юбилейной выставке. Картину купил И.Морозов вскоре после того, как она была написана, в 1905 году и больше Пикассо её не видел. Самому мастеру картина очень понравилась.
После голубого периода Пикассо приходит к новой тональности живописного отношения, которое дало имя целому периоду в развитии творчества художника. Это “Розовый период”, который продолжался совсем недолго, только год, с 1905 по 1906 год.
1.Художник в картине снова обращается к своей любимой теме странствующих цирковых актёров. (itinerant – странствующий). В этой работе его сюжет приобретает характер аллегории, который выходит за рамки жанровой сцены.
2.Герои картины изображены на фоне пейзажа, который совсем не ограничен рамками картины, в ней достаточно места и для действующих лиц.
3.Герои картины – странствующие актёры, которые понимают друг друга и поддерживают друг друга. Но они – изгои общества и остального мира. В такие сюжеты Пикассо очень часто вводит самого себя. И эта – не исключение. Слева, фигура в чёрном цилиндре – это сам Пикассо. Он – с ними. Он тоже на творческом пути, в вечном поиске.
4.Девочка, балансирующая на шаре – импровизирует, репетирует. Но также – это неустойчивое положение, она летает, пытаясь найти свой путь, опору и поддержку в этом мире, который ускользает от неё. Мир, как и шар, на котором она стоит – нестабильный и шаткий, подвижный и изменчивый.
5. Опору и поддержку символизирует атлет – массивный, стойкий, могучий и сильный. Он и сидит на кубе – фигуре, которая очень стабильна.
6. Картина построена на контрастах. Формы – куба и шара, пола – мужского и женского, фигур – тонкой и массивной, позы героев – сидящий и стоящий, их положения – устойчивого и балансирующего.
Художник выражает не столько судьбу актёров – людей искусства, сколько вселенские законы баланса и взаимодействия, гармонии и контраста.
Таким образом – главная тема выражена в поддержке друг друга, тема доблести (valour ) и судьбы звучит (rings) здесь очень ярко.
После очень гармоничного розового периода наступил период молчания (siliency) а затем нечто странное – кубизм. Об этом периоде творчества Пикассо – отдельная история.
