“Малые голландцы” в ГМИИ

Малые голландцы. Первым русским, кто увлёкся Голландией вообще и её изобразительным искусством в частности, был Пётр I . Коллекция голландской живописи в нашей стране началась с картин, приобретённых Государем  Петром. Император очень любил эту страну и стал первым собирателем картин голландских художников.  В  собрании ГМИИ этих работ нет, они представлены в Эрмитаже, а в Москве есть произведения из собрания Екатерины II.
Дмитрий Иванович Щукин, брат Сергея Ивановича был известным московским собирателем голландской живописи.  Щукин изъявил желание подарить свою коллекцию городу, в 1914 году об этом стало известно официально. Но он не успел передать своё собрание в дар Москве.  Его коллекцию национализировали, передали в Румянцевский музей, а затем – в ГМИИ.

Недавно, к 100-летию музея один из современных собирателей передал в дар музею картину брата знаменитого художника Франца Хальса.
Стоит напомнить, что Голландия – это семь северных нидерландских провинций. почти 30 лет страна сражалась с Испанией за политическую и религиозную свободу и, в 1609 году, добилась фактического признания полной независимости.  Голландия стала первой буржуазной республикой в Европе. В начале XVII века она переживала бурный экономический подъём и стала одним из важнейших центров европейской культуры. Страна освободилась от всесильной католической церкви. Основной формой религии стал кальвинизм.

Малые голландцы. Особенностью голландской художественной культуры было преобладание живописи над другими видами искусства. Профессия живописца стала одной из самых востребованных, потому что был велик спрос на картины. Они прочно вошли в жизнь голландцев и стали частью их быта, украшением интерьера, а иногда предметом коммерции. По формату картины писали небольшими, рассчитанными на скромные по размеру дома. Отсюда и название голландской живописи – “малые голландцы”.

Деятельный, полный энергии голландец, практичный и рассудительный, любил свой край и гордился им. Он хотел видеть в картинах природу своей страны, домашний очаг, вещи, которые его окружают, всё что было ему близко и знакомо. Станковая живопись стала любимым искусством в Голландии, потому что отражала действительность. Получили распространение все жанры – пейзаж, натюрморт, портрет, бытовая сцена. Некоторые из них мы рассмотрим более подробно.
Симон Якобс де Влигер «Марина».

Картина показывает восторженное отношение голландцев к своей стране. Голландия стала первой в Европе независимой бюргерской республикой. Те граждане, которые с оружием в руках отстаивали свою независимость, теперь победили и очень гордятся этим. Они богатеют и процветают. Вся Европа завидовала этой маленькой, но очень богатой стране с её потенциалом и возможностями. И поскольку жители преуспевали, они начали заказывать картины.
Де Влигер в морском пейзаже изображает надежду на вечное процветание – над одним из кораблей развевается голландский флаг. Светит солнце, оно пробивается сквозь высокие облака, плывут корабли, гружёные товаром, окружающая жизнь прекрасна и великолепна. Художник очень точно изображает все оттенки моря, воды. Здесь показано безмятежное будущее страны.

Несомненно, в любом обществе церковь, религия оказывает  большое влияние на искусство. В Голландии кальвинизм был объявлен официальной религией и большинство жителей приняло это учение. Кальвин говорил о том, что судьба человека предопределена ещё до его рождения. И никто, даже сам человек, как бы он не старался, и как бы праведно он не жил, ничего не может изменить. Только Бог, посылая душу в этот мир, знает, спасётся она или нет. Никому заранее об этом не известно. Но есть косвенные признаки, по которым можно определить, богоизбран человек или нет. Одним из таких признаков служит благосостояние человека. Если дела идут хорошо, если человек богат и благополучен, это верный знак того, что он избран Богом. Поэтому в Голландии сложилась уникальная ситуация – все старались жить хорошо, накапливать богатства.  Страна богатела вместе со своими гражданами.

Учение Кальвина для искусства не было побуждающим моментом. Наоборот, его последователи отрицали богатство церкви и были против изображений в храмах.  Поэтому  церковь в Голландии не была заказчиком художников и  религиозной живописи создавалось немного.
Ян Йозефс ван Гойен  “Вид реки Ваал у Неймегена” 1633 год. Это образец зрелого стиля мастера. Главное внимание он уделяет передаче атмосферы, градациям освещения, слиянию цветов.

Художник проявляет очень большой интерес и любовь к своей стране. Уголок голландской природы написан ван Гойеном так проникновенно, что за ним вырисовывается образ страны, образ голландской природы в целом. Пейзаж не ярок и прост, весьма обычен для Голландии. Но автор пишет его с большой любовью к родным местам. И нам сразу хочется побывать в этом замке и пройти по дороге, ведущей к нему.

Очень выразительно изображено небо. Оно занимает большую площадь – целых две трети  холста. Ван Гойен показывает красоту свето-воздушной среды, простор и здесь для него открывается масса возможностей. В первую очередь, чтобы создать впечатление глубины, далей, простора, мастер не пользуется традиционными приёмами – кулисным построением, отступающими планами. Перспективу даёт диагональ композиции, воздушная дымка – дальний план. Ощущение наполненности пейзажа воздухом мастер создаёт тонкими градациями цвета: в глубине цвет теряет свою звучность и отчётливость.

Пасмурное небо и рассеянное освещение художник пишет серо-серебристым тоном. Атмосфера от этого наполнена влагой и берег, башня, стены крепости, лодки тают в воздухе, растворяются в далях. Небо кажется очень высоким, потому что занимает значительную часть холста. Лёгость и простор на картине переданы благодаря такому построению композиции.

Очень часто голландские мастера берут 2, 3, 4 основных цвета и начинают прорабатывать их. Так и здесь картина не пестрит многообразием красок, их всего несколько, но это отнюдь не обедняет полотно.
Голландские бюргеры очень любили натюрморт. И если у Снейдерса, во Фландрии изображали «пир на весь мир», изобилие предметов и т.д. , то у голландцев формат картин невелик, да и натюрморт довольно скромен.

Голландцы очень не любили само слово “натюрморт” (still life). Какая же это мёртвая жизнь? Ничего подобного, все предметы на холсте – живые, очень естественные, каждый предмет живёт своей жизнью. Поэтому они отказались от слова «натюрморт» и стали называть такие картины просто «завтрак», «обед» или «ужин».

Голландские мастера тонко чувствовали красоту в самом привычном, будничном её проявлении. Это можно увидеть в натюрмортах малых голландцев. В.Хеда и П.Клас стали непревзойдёнными мастерами этого жанра. Их картины просты и естественны, полны “живого беспорядка”. Вещи расположены так, как будто их кто-то только что касался и поэтому в полотнах мы ощущаем незримое присутствие человека, ведь все предметы в натюрморте связаны с чьими-то предпочтениями, вкусами.

Питер Клас. «Завтрак»

Голландские мастера любили сопоставлять предметы так, что бы показать особенность и привлекательность каждого. Здесь и стеклянный бокал, сквозь его стенки просвечивает недопитое вино, мягкая скатерть, влажная мякоть очищенного лимона, маслянистый блеск жирной селёдки.

Сочные виноградины с нежной кожицей покрыты матовой пыльцой, булочка с хрустящей и ломкой корочкой. Своеобразие их фактуры передано с удивительным искусством.  Мастер точно располагает предметы на холсте, чтобы показать фактуру каждой вещи. Для него важен  порядок предметов, он тщательно продумывает их расположение, чтобы световые пятна, блики от одного предмета играли на другом. Художник мастерски прорабатывает круглую форму – круглая булочка, немного удлинённый, овальный лимон, затем он уменьшает круг и выписывает орех.

Цвет. Тихое, спокойное, благородное сияние предметов. Клас мастерски передаёт фактуру предметов, благодаря чему возникает их почти тактильное чувствование  – селёдки, лимона и пр.
Геррит Виллемс Хеда.  “Ветчина и серебряная посуда”

В своей работе этот мастер демонстрирует богатство дома со спокойной и налаженной жизнью, где во всём видна забота человеческих рук и внимательный хозяйский глаз. Предметы: серебряная посуда, салфетка из тончайшей ткани и тяжёлая ворсистая бархатная скатерть, скользкая бугристая кожура лимона, тяжёлый и плотный окорок, на его разрезе виден след ножа, свеча, оплывающая в подсвечнике, очень живописны.

Интересно проследить игру бликов на поверхностях – на стекле и серебре мы видим отражение окна, соседних предметов (эти отражения можно наблюдать и у П.Класа). Они очень отличаются и кажется, что даже говорят на разные голоса, у каждого свой характер, свой “нрав”. Но с другой стороны они находятся в нерушимом согласии и единстве – объединены общим неярким, сдержанным колоритом, светом и настроением достатка.

Но на его полотне видны очень тревожные детали – опрокинутый кубок и догоревшая свеча. Это картина-ребус,  подобные тем, что были созданы во Фландрии.

Догоревшая свеча – это символ прошедшей, угасшей жизни. А перевёрнутый кубок означает конец праздника, пира. Был пир, и было веселье, а теперь наступили будни. Мораль картины – наслаждайся жизнью, но помни о смерти.

Показательно включение  в композицию лимона. Этот фрукт очень красивый – его жёлтая кожа, кажется, скрывает весьма вкусную плоть, у лимона очень приятный запах. Но просто так есть его невозможно, он очень кислый. Поэтому лимон – символ умеренности. Изображение лимона означает, что за красивой внешностью не всегда скрывается добродетель, прекрасная душа, и как бы предостерегает зрителя, говоря:”опасайся, будь осторожен”.

С другой стороны лимон служит символом умеренности. Голландцы очень любят глинтвейн. Чтобы приготовить этот напиток необходимо несколько капель лимона. Если лимона положить слишком мало – вкус не будет чувствоваться. А если слишком много – вино превратиться в уксус, пить его будет невозможно. Таким образом лимон служит знаком умеренности во всём.

Виллем Калф . “Натюрморт с кубком из перламутровой раковины”. Малые голландцы
Художник изобразил здесь не только драгоценный кубок, но и фрукты. Обратите внимание на гранат, он очень неприятно разломлен, у него колючие края. В полутьме стоит бокал, ещё один стакан с пивом почти не заметен в темноте. Часы на краю стола символизируют безжалостное время. Всё уйдёт в небытие, в темноту, как стаканы на этом полотне.

Цвет. Предметы на полотне испускают удивительное сияние, но свет блёкнет, теряется в темноте, как бы гаснет, затухает.

Виллем Виллемс ван дер Влит «Мужской портрет»
Портретная живопись была очень популярна в Голландии XVII века. Все заказывали портреты друг друга: муж – жены, жена – мужа, дети – родителей и пр. Лицо бюргера так и пышет довольством, богатством, благополучием. Он добродушен и весел – и  всё это написано на его лице.

Может быть, что именно его завтрак написал Питер Клас. Но не только лицо говорит о общественном положении бюргера. Воротничок сюртука ручной работы сделан из тончайшего полотна, отделан кружевами. Художник выписал эти детали с большой любовью.

Питер де Хох «Утро молодого человека».

Эта картина имеет особую историю. Князь Трубецкой подарил её Александру III будучи уверенным, что на картине изображён Пётр I.  Но такая атрибуция не подтвердилась, картина была создана задолго до рождения императора Петра Алексеевича.

Показательно, что в этой картине нет сюжета. Молодой человек, пришёл домой очень усталый, снял один сапог, а стянуть второй не хватило сил. Он опустился без сил. Пожилая дама стелит постель. Но золотые лучи солнца освещают тяжёлый занавес полога, заставляют искриться его шёлковые нити, делают нарядной простую одежду служанки. Одна маленькая деталь притягивает на себя внимание –это простыня в центре композиции. Это самое яркое пятно на полотне, именно на простыню падает свет, освещает всё вокруг и объединяет композицию. Пространство, воздух, свет живут в неразрывном единстве с человеком и мы проникаемся интимным уютом скромного бюргерского дома.

Ещё одна работа Питера де Хоха – «Материнские заботы» Зрителя как будто пригласили в голландский дом, где он может увидеть, как люди жили в ту пору. Везде чистота, голландцы вообще знамениты своей любовью к кристальной чистоте.

Утром хозяйка первым делом отправлялась на улицу мыть мостовую перед домом. Каждый день она мыла то одну то другую комнату, начищала всё до блеска. Даже на картине художник не упускает это из виду – здесь стоит сияющее ведро, вымытый до блеска пол сверкает. Но в этом доме не всё так просто. Это не просто сцена из добродетельной семейной жизни: мать причёсывает дочурку, а старшая дочь прихорашивается. Девушка , вероятно, собирается на свидание. Это свидание  может привести неизвестно к чему, скорее всего к непристойностям. Мастер прямо  говорит об этом, поместив в композицию клетку. На языке символов клетка означает тайную страсть, которая может вырваться наружу.

Габриэл Метсю «Девушка за работой».

Художник просто наслаждается цветом и фактурой. Мех на накидке выписан так, что его хочется погладить рукой. Открытая клетка означает не просто пламенную страсть, а знак того, что жених вот-вот придёт.

Хендрик Барентс Аверкамп (Немой из Кампена) «Катание на коньках». Малые голландцы
Картина написана без малейшего морального подтекста. Мастер писал картину для себя, а не на продажу. Художник любуется свободной страной, где и бюргеры и крестьяне катаются вместе, не деля лёд на пространство для богатых и для бедных.

Здесь представлено единение людей различных сословий, по сути превращение их в единое общество, в общий для всех праздничный день.

У Аверкампа фигуры и фон слиты, персонажи как бы обволакивает воздушная среда. Задачу передачи воздуха облегчало то, что мастер писал зимние пейзажи. Он строил картину в одной тональности и разбеливал краски. И хотя пропорции картины не совсем верны, фигурки хаотично разбросаны по холсту , но сюжет умиляет и настраивает на благожелательность.

Адриан Янс ван Остаде «Драка».
На картине изображены несуразные и гротескные фигуры. Эти люди только что вместе пьянствовали, а теперь готовы убить друг друга.

Простая сцена, но она изображает обычную ситуацию, то, что вполне может быть на самом деле. И опять – свет. И удивительный колорит. Сцена настолько жизненна, что Людовик ХIV, увидев эту картину сказал: «Уберите от меня этих уродцев».

«Крестьянская пирушка». Малые голландцы
На другой его картине мы видим крестьянский праздник.

Но фигуры здесь не столь гротескные, живые. Здесь появляется диагональная линия, они делает возможным показать движение. Крестьяне на его полотнах одичалые, некрасивые. Их быт убог и примитивен, они затевают бессмысленные драки и горланят песни. Художник взглядом горожанина как бы со стороны смотрит на эти сцены и насмехается над неотёсанностью, грубостью деревенского жителя. Такие крестьянские сценки для голландцев XVII века были жанром с явной комической подоплекой.
Но художник удивительно передаёт  цвет.

Ян Хавикс Стен «Крестьянская свадьба». Стен близок к Йордансу, но формат его картин не столь огромен, полотна маленькие. Но тем не менее, каждую сценку, каждую группу людей можно рассматривать отдельно. В картине множество “мизансцен” с колоритными типами и умело введёными деталями, они придают полотнам художника живость и занимательность.

В изображённом на картине празднике не всё так просто. Мы видим, что служка похлопывает невесту по животу – это прямое указание на интересное положение молодой. Музыкант – это автопортрет художника. Оленьи рога – прямое указание на то, что жених – рогоносец. Но он не знает об этом. И молодой человек прикладывает палец к губам, показывая, чтобы все хранили тайну. И даже люди на ступеньках, провожающие молодых в спальню смеются. То есть всем известно, с каким изъяном жених берёт жену, кроме него самого.

В картине Яна Стена “Больной старик” высмеивается похотливость старикашки. Женщина протягивает ему обглоданную кость, а на стене висит картина с изображением Сусанны.

Библейских сюжет о Сусанне повествует, как она пленила сластолюбивых стариков. Но поучительный подтекст отнюдь не делает картины Стена сухими и тяжеловесными. Наоборот, в них задор и юмор, не лишённый порой сатирического оттенка.

Эмануэл де Витте «Рынок в порту». Картина – шедевр де Витте. Он писал церковные интерьеры и то, что художник обращается к жанру рынка весьма удивительна. Эта композиция очень отличается от других картин. В ней необычно яркий и тревожный свет. Он даже слепит глаза и мешает наслаждаться полотном. Рыба, изображённая на холсте, совсем не живая, неприятная. Де Витте привлекает не столько жанровая сцена на переднем плане, сколько окружающий фигуры городской пейзаж, пространство рыночной площади. Холодный луч зимнего солнца выхватывает несколько покупателей перед лотком с рыбой, слепит глаза яркой вспышкой белой оторочки платья дамы, стоящей спиной.

В центре картины зияет пространство площади с бездомными собаками и жмущейся к стенам домов толпой. Построение картины уводит взгляд в глубину, к одинокой башне с часами и мачтам парусника, к манящим и грозным далям моря.

Башня выдумана художником, на самом деле на рыбном рынке Амстердама такой не было. Люди на первом плане находятся очень близко к зрителю, художник словно пытается выдавить фигуры во внешний мир. И в пространстве полотна очень много свободных мест, что создаёт чувство одиночества и отстранённости человека. Беспокойный и пронзительный свет усиливает тревогу.

Малые голландцы.  Эмануил де Витте«Внутренний вид церкви». Мастер славился изображением церковных интерьеров, как итальянские мастера писали свои ведуты. Художник выбирает близкую точку зрения и даёт перспективу с угла. На первом плане – высокие колонны.

И человек на первом плане настолько маленький, что он не знает, как вести себя в этом пустом пространстве. Даже свету тесно в храме, ограниченном стенами помещении  и он старается вырваться вверх, наружу, за пределы холста. Игра света передана в разнообразнейших нюансах, в богатстве контрастов.
Шар на полотне (справа в середине, на органе) – загадка для искусствоведов, его символика не определена, но, по всей видимости, это символ смерти.
Судьба де Витте оказалась трагичной. Художник покончил с собой в возрасте 70 лет.

В конце XVII века в голландском искусстве стали прорываться нотки безмерного одиночества человека в этом мире. Художники очень тонко почувствовали эту перемену от спокойствия и самодовольства до ненужности человека и непредсказуемости судьбы и их полотна стали совсем другими.

Малые голландцы.  Интересен натюрморт Винсента Лауренса ван дер Винне «Суета сует»
Автор дважды изображает свой автопортрет – внутри шара, говоря об ограниченности мира и невозможности вырваться из этого пространства и изменить его.

И рисунок на столе – тоже автопортрет художника. Книга на столе – это книга счетов, обычно в голландских домах записывали все расчёты в книгу. И это прямое указание на то, что всем без исключения придётся платить по счетам.

Малые голландцы Герард Герардс Терборх «Портрет дамы» – его женский портрет уже совсем не похож на изображения людей в ранних работах голландских мастеров.

Женщина стоит в пустом пространстве, она изолирована от внешнего мира и совершенно одинока. В портрете явная недосказанность и грусть человека, оставленного наедине с самим собой.

Вот далеко не полный обзор живописи “малых голландцев” в музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина. Мы продолжим разговор об искусстве небольшой страны, давшей миру Рембрандта и Ван Гога и расскажем о картинах Великого Голландца (Рембрандта), которые находятся в экспозиции музея.

Наши статьи по теме

Пабло Пикассо в ГМИИ им.Пушкина Валантен де Булонь в ГМИИ “Отречение святого Петра” Андре Дерен и Анри Руссо в ГМИИ им. Пушкина Жан-Батист Грёз в ГМИИ