От Иванова к Коровину

“От Иванова к Коровину” – первая часть лекции 2018 года Валентины Моисеевны Бялик на курсах повышения квалификации гидов о русском авангарде. Рассмотрена предыстория – путь русского искусства с середины XIX до начала XX века.

Обстоятельный рассказ об искусстве русского авангарда следует начать издалека. Это необходимо для понимания самого феномена неожиданного появления на арене искусства русского авангарда.

Александр Иванов. “Явление Христа народу” (“Явление Мессии”)

Александр Андреевич Иванов (1806 – 1858) прожил 52 года. «Явление Христа народу» мастер писал в течение двадцати лет. Название полотна исказили в советское время по идеологическим соображениям. Иванов как глубоко верующий христианин назвал свою картину «Явление Мессии». Невероятное неуважение правительства к народу, в случае с картиной Иванова, выражалось в сомнении, поймет ли народ, – кстати, глубоко православный, – что такое Мессия. Поэтому картину именовали «Явление Христа народу».

Когда Александр Андреевич внезапно скончался в Петербурге от холеры в 1858 году, картина не была приобретена ни императором, ни какими-то выдающимися коллекционерами. Поскитавшись, полотно оказалась в Румянцевском музее. Теперь там располагается Российская государственная библиотека (в советское время имени Ленина).

В Третьяковскую галерею “Явление Мессии” попало в 1902 году. Для неё возвели отдельный зал по проекту Щусева.

Произведение невероятно важное, невероятно сложное и глубоко философское. Это НЕ момент крещения, потому что крещение будет позже. Это первое появление Иисуса перед людьми. Иоанн Креститель, который говорил о появлении Мессии, появился раньше. А.Иванов искренне верил, что средствами искусства можно изменить мир и человека к лучшему.

Василий Перов

Появление в 1870 году «Товарищества передвижных выставок» (первая выставка состоялась в 1871 году) показало зрителям что, помимо высоко философских произведений, русский художник еще задумывается о судьбах «сирых мира сего». Поэтому перед нами В.Перов – «Странник» и «Охотники на привале».

Почему для примера выбрано такое веселенькое полотно, как «Охотники на привале»? Ведь у Перова есть драматические сложные картины как «Проводы покойника» 1865 года и «Тройка» 1866 года. Суть в том, что Перов пересмотрел идеи влияния искусства на человека. Если Иванов, создавая “Явление Мессии”, был уверен, что произведение искусства способно перевоспитать общество и искоренить его пороки, то Перов осознал что  это невозможно.

Поэтому в 70-е годы у него появятся более мягкие, менее драматические картины как «Птицелов», «Рыболов», «Голубятник» и  «Охотники на привале».

Владимир Маковский

Владимир – старший из трех братьев Маковских. Их отец Егор Маковский, был академиком живописи. Сестра тоже стала художницей. Александр Бенуа обозвал Владимира Маковского «пошлым рассказчиком анекдотов». Действительно, Маковский писал скромно-пикантные сцены, как какой-то гость передает шубу горничной в прихожей и смущает ее нескромными взглядами. Таких произведений у него достаточно.

«В приемной у доктора». Вы видите, что священник втолковывает больной, какому святому следует молиться от зубной боли, а дама указывает рукой на щёку.

«Игра в бабки» раскрывает тему забав деревенских детей, их маленькие нехитрые радости.  Этот сюжет волнует художника.

Валентин Серов. От Иванова к Коровину

«Девочка с персиками» Валентина Серова, написанная в 1887 году, произвела на зрителей шокирующее впечатление. Валентин Серов родился в 1865 году. Прожил художник недолго, умер в 1911 году в возрасте 46 лет от грудной жабы. Сейчас эта болезнь называется стенокардия.

Серов, появившись на небосклоне русской живописи «Девочкой с персиками», обескуражил многих. Настолько, что Павел Михайлович Третьков полотно НЕ купил. Совет галереи приобрел “Девочку с персиками” в 1913 году после смерти и Третьякова, и самого Серова.

На фоне печалей и мелких радостей персонажей Перова, на фоне бытописательства Маковского, на фоне грандиозных эпопей Репина и Сурикова, вдруг появляется нечто абсолютно неизвестное. Картина, которая даже не называется так, как ей положено. Ведь она должна называться «Портрет Веры Мамонтовой». Именуется она «Девочка с персиками». В названии есть утверждение, что это не портрет. А что? Это картина. Картина, которая рассказывает о солнце, о лете, о радости жизни, о красоте бытия.  Серов написал её, когда ему было 22 года.

Чтобы показать новое понимание пейзажа, обратимся к полотну «Заросший пруд», написанному в Домотканово – усадьбе фон Дервизов.

В коллекции ГТГ есть «Заросший пруд» Поленова. Там все более повествовательно. В тени деревьев есть скамеечка, на которой сидит девушка в белом платье с книжечкой.

Если бы девушки на этой картине не было, ее надлежало бы придумать, потому что это очень литературный, “тургеневский” пейзаж.

На своём полотне молодой двадцатитрехлетний Серов стремится передать не только и не столько заросший пруд, сколько холодный ветреный день.

В полотне «Заросший пруд» Серов открывает один замечательный феномен. Зелень в отражении становится много темнее, а небо в отражении – наоборот становится светлее. В данном случае затемнены еще и облака. Поражает, как он смотрит в это зеркало воды. Это именно зеркало воды, на котором покоится ряска.

***

И в первой, и во второй картине уже подразумевается понятие “настроение”, понятие “впечатление”. Не дай Бог кому-нибудь говорить, что в ранних работах Серов – импрессионист. Это период пред-импрессионизма. Ещё полтора шага – и мы дойдем до Коровина, настоящего русского импрессиониста.

Для импрессионизма характерна быстрота письма. У Серова её нет. Он работал очень долго. Подумайте: «Девочку с персиками» он писал тридцать (!) сеансов. Каждый сеанс не менее двух часов! Как сам писал: «замучился сам и замучил ее, бедную».

«Девушку, освещенную солнцем» мастер писал двенадцать сеансов.

Писал бы дольше, если бы Маша не уехала. Сам Валентин Серов говорил: «От картины не должно пахнуть потом». То есть художник может просто умереть от переживания: получается или не получается. Но картина должна остаться такой, какая она есть: светлая, легкая, прозрачная.

Да, быстрого письма у Серова нет. Но при этом есть подвижность мазков. Особенно в том, как написан за окном пейзаж, как лежит скатерть и персики. То есть художник абсолютно интуитивно ищет абсолютно новые пути живописного решения темы.

Михаил Врубель. От Иванова к Коровину

В 1889 году в русской живописи появляется Врубель со своим «Демоном». Вдумайтесь: недоучившийся гимназист Серов и окончивший университет Врубель вместе учились в Академии художеств. В одном классе. Врубелю 24, Серову 16. Два больших мастера глубоко ценили друг друга. Каждый был чрезвычайно проникнут искусством своего приятеля.

Но Врубель – это совершенно новое явление. Потому что в русское искусство пришел модерн. Модерн – это как бы внешняя оболочка названия целого направления. В нем есть внутренняя сердцевина, а именно – символизм. Содержание искусства модерна безусловно символистское.

“Демон сидящий”. Как писал сам художник сестре: «это могучая фигура, которая сидит высоко в горах, на цветущей поляне, и растения протягивоют свои ветви».

Никаких ветвей нет. Но зато есть удивительные каменные цветы. Посмотрите: каменная мозаика, это изумительные лилии, цветок модерна, их удивительный цвет – нежно-сиреневый, переходящий в лиловый, и – чрезвычайно интересно! – композиция построена так, что голова Демона срезана.

Врубель прекрасно мог расположить фигуру Демона на холсте так, чтобы голова Демона полностью помещалась. Но он намеренно срезал композицию. Почему? Фигура не может встать на ноги. Демон не может распрямиться, не может вдохнуть полной грудью. Он скован, но отнюдь не просто пространством этой поляны. Если говорить больше, это Дух, который сковывает материальность окружающего мира. Не отсюда ли эта слеза, которая скатывается из глаза Демона?

Константин Коровин

Потом польется творчество Константина Коровина – веселого, общительного, бесшабашного. Примечательна история создания «Хористки».

На Крымском валу проходила замечательная выставка Константина Алексеевича Коровина. В процессе подготовки искусствоведы сделали одно примечательное открытие. В левом нижнем углу картины имеется подпись чёрной краской: «Коровин». На обороте этого холста приклеена бумажка с датой “1883 год”. На ней же рукой Коровина, чётким красивым почерком сообщается, что эта картина писалась в Харькове, в городском саду. Женщина-модель была не очень красивой. Но это неважно, потому что главное, что он сумел передать солнце. И дальше он пишет (это очень примечательно!), «Еще никто не изображал солнце, свет, как это удалось мне».

Суть этой драмы состоит в том, что в 1883 году Коровин не был в Харькове. Эту бумажку художник написал в 1923 году, когда Третьяковская галерея устраивала его выставку. Подпись мастера говорит о том, что пожилому художнику очень хочется все-таки чувствовать себя первооткрывателем. Ему хочется письменно утвердить, что он был первым, кто сумел показать солнечный свет. Хотя мы знаем, что первым это сделал двадцатидвухлетний Серов в 1887 году.

Таким образом, если вы будете смотреть старые монографии, то даты написания “Хористки” расходятся. На самом деле полотно написано в 1887 году. Но это неважно. Важно то, что это очень хороший этюд.

Поздняя работа Коровина “Москворецкий мост” создана в 1914 году. К этому времени все коровинские Парижи уже написаны. Все портреты и декорации созданы. Константину Алексеевичу хотелось просто показать вибрацию солнечного света. Подобные произведения традиционно называют импрессионизмом. Но какой может быть импрессионизм в 1914 году?

Художественное объединение “Голубая роза”. От Иванова к Коровину

«Голубая роза» возникла в 1907 году. Художники, которые участвовали в выставке, начали называться «голуборозовцами». Выставка проводилась только один раз. Она вошла в историю русского искусства как первая выставка русского символизма. В своих работах Пётр Уткин, Василий Милиоти, Павел Кузнецов, Николай Крымов, Мартирос Сарьян и другие художники представили идеи сна, миража, фантазии.

Конец XIX века в европейском искусстве

Еще в 1888 году, в одно лето Серов создал «Заросший пруд», «Девушку, освещенную солнцем» и «Н.Я. Дервиз с ребенком».

В этот же год Винсент Ван Гог написал свои замечательные «Подсолнухи».

Прекрасно известно, какой путь прошёл Ван Гог и как поздно он начал заниматься живописью. Эмоциональность и драматургия его произведений не могла не пленять чувствующего зрителя, коллекционера. На рубеже 90-х годов русские художники узнавали все западное искусство не только по выставкам в Париже, но и по коллекциям Щукина и Морозова, которые были у нас в Москве. Идея  директора ГМИИ И.А.Антоновой о возвращении в Москву произведений из коллекций Щукина и Морозова из Эрмитажа была не столь нелепа. Но закончилось это весьма предсказуемо. Во-первых картины, понятно, не вернули. Во вторых И.А.Антонову сделали президентом музея, а директором стала Лошак.

Важно то, что русские художники благодаря С.Щукину и И.Морозову могли увидеть западные работы до того, как сами оказались в Париже. Посмотрите на “Пшеничное поле с кипарисами” кисти Ван Гога. Это 1889-й год, это совершенно новая живопись, очень яркая, очень декоративная, очень эмоциональная и внутренне драматичная.

Десятью годами позже Поль Гоген, убежавший из мира парижской устроенности и нашедший себя на Таити, создаёт свои работы.

В 1910 году Матисс написал знаменитый «Танец». У Матисса очень подробная запись об этой картине. Он пишет, что мечтает, как уставший от города, от шума, от этой жизни современный человек, отдохнул около этой картины. Высказывание очень сомнительно! Ничего себе отдых! Посмотрите, как нас будоражат эти фантастические, несущиеся по кругу обнаженные фигуры, Как нас завораживает это красно-оранжевое, зеленое и синее. Обратите внимание на то, как строится холмик, вот эта возвышенность. Не есть ли это намек на ту сферичность пространства, которую мы потом найдем у Петрова-Водкина?

***

Пара слов о двух немецких художниках. Это Карл Шмидт-Ротлуф и Эрнст Людвиг Кихнер. Две работы говорят о том, что в европейском искусстве, особенно в немецком, утверждается экспрессионизм. Экспрессионизм есть сила чувств, она преобразует и линейное, и цветовое решение. «Лежащая обнаженная» Кихнера оказалась синей.

Это не есть фигура речи. На самом деле солнце таким образом преобразовало обнаженное тело. Вдобавок фигура имеет совершенно замечательный красный контур.

Это Карл Шмидт-Ротлуф.

У Ротлуфа  замечательно соседствуют две фигуры. Закат и контур должен дать горячее солнечное очертание тела на свету.

Такой экскурс необходим, чтобы понять, что в русском искусстве все эти замечательные мастера авангарда появились не просто так. Их появление было закономерно. Закономерно тем поступательным движениям, с которыми существует история, движется по спирали и всегда вверх.

Продолжение лекции “От Иванова к Коровину” в статье Н.С.Гончарова.

Статья по теме: “Валентин Серов в собрании ГТГ”.