“Автор неизвестен” – под таким названием в музее Русского импрессионизма открылась новая выставка. Её цель – показать работы художников, чьё авторство не установили или установили недавно. Всех мастеров объединяет время, когда они творили – конец XIX – первая треть XX столетия.
Автор неизвестен. Выставка в музее Русского импрессионизма. Личные впечатления
Я в очередной раз восхитилась умением специалистов музея выбрать работы, расположить их на выставке и наполнить её интересным содержанием. С 2020 года я не пропустила ни одного показа в музее Русского импрессионизма, эпизодически посещала его и раньше. За несколько лет не было ни одной неинтересной экспозиции. Какую бы тему искусствоведы не показывали – “Место под солнцем” или “Миражи”, “Выбор Добычиной” или “Другие берега”, “Жёны” или “Отличники”, “Точки зрения” или “Авангард – на телеге в XXI век” – каждый раз музею удаётся удивить, восхитить и наполнить прекрасным душу простого обывателя.
На выставке “Автор неизвестен” показали незнакомые работы известных живописцев – В.Кандинского, О.Розановой, Н.Милиоти, И.Клюна, Д.Бурлюка. Их авторство установили недавно. Но большинство работ так и осталось с этикеткой н/х – неизвестный художник. И это не умаляет уровня полотен!
Кроме того, на этот раз музей провёл небольшой ликбез для подобных мне дилетантов в искусстве. Выставку разделили на семь частей. В каждой из них рассказано об одной неизменной составляющей живописи – композиции, цвете, свете, фактуре, форме, линии, движении. Мне было очень интересно познавать азы живописи и одновременно видеть иллюстрации к тому, как художники используют тот или иной приём.
Всего получилось семь разделов. Намеренно ли их количество совпало с числом цветов радуги или так произошло случайно? Может быть куратор Анастасия Винокурова задумала подобную интригу? Мы принимаем игру и обозначаем разделы разными цветами спектра.
Глаз и свет. От золота к эфиру
“Функции света весьма многообразны. Он заставляет играть краски, но он же, будучи слишком сильным или слишком слабым, может уничтожить как форму, так и цвет, он может сам по себе наделять цветом, может позолотить предмет или придать ему серебряный отблеск…”.
Макс Якоб Фридлендер (1867-1958), немецкий историк искусства.
В живописи свет важнее света. Цвет – это уже вторичное явление. Цвет – составляющая света.
Чтобы передать божественный свет древние мастера применяли золото. В нём отражалось пламя свечей, солнечные лучи, скупо проникающие в храм сквозь окошки-бойницы или световые барабаны.
Леонародо да Винчи занимался теорией света. Он выяснил, что отражённый свет меняет цвет теней. По сей день все художники следуют совету да Винчи и устраивают свои мастерские окнами на север.
Борис Кустодиев однажды сказал своей дочери:
“Один и тот же белый дом утром имеет одну окраску, днём другую, вечером и ночью ещё свою не похожую на свой естественный цвет. В сущности, он даже никогда не бывает строго белым, так как постоянно меняет свою окраску, вернее, оттенок. И так все предметы”.
Эту закономерность подтвердил Клод Моне, создавая свои серии стогов, Руанского собора, видов парламента на Темзе, кувшинок в Живерни.
А вот совет К.Моне своим последователям:
“Рисуйте то, что видите, а не то, что должны видеть. Не отдельные объекты, будто бы помещенные в пробирки, но объекты, окутанные солнечным светом и атмосферой, с голубым куполом небес, отражающимся в тенях”.
Русские мастера были отличными учениками великого импрессиониста. Они с достоинством воплотили принцип Эдуарда Мане: “Главное лицо в картине – свет”.
Цвет. Локальный. Дополнительный. Дикий
В информационном отношении “цветовая” часть выставки показалась мне самой интересной. Во-первых, зрителя вводят в теорию цвета. Разноцветные выдвижные панели, конечно, предназначены для детей. Но и взрослые с удовольствием знакомятся со свойствами цветов спектра.
Красный получают из ядовитого минерала киновари. Цвет связан с противоположными явлениями – любовью и опасностью. Красный визуально становится ярче, если соседствует с зелёным.
Оранжевый – дополнительный цвет. Раньше его получали из шафрана и из минералов реальгар, ванадинит. Он хорошо сочетается с жёлтым.
Жёлтый – это основной цвет. Он считается цветом солнца, света, тепла. Помните, как его любил Винсент ван Гог? Жёлтый получали из растений. В тропиках растёт дерево гарциния. Его сок даёт жёлтый пигмент. У нас на Урале нашли минерал крокоит. Из него и получали жёлтый цвет.
Зелёный всегда означает весну, это цвет травы и листьев. Получали его из малахита. Зелёный отлично соседствует с синим. Художники часто использовали сочетание зелёного леса и синего неба в пейзажах.
Синий – это море и небо. Добывали его из порошка лазурита. В древности на Руси иконописцы редко использовали его из-за дороговизны. Такую краску мог позволить себе Андрей Рублёв. В искусствоведение есть понятие “рублёвский голубец”.
Если ультрамарин поместить рядом с оранжевым, то синий покажется более насыщенным.
Фиолетовый символизирует богатство, это цвет власти. Цвет очень редок, в природе он встречается совсем не часто. Пурпурный цвет получали из морского моллюска, некоторых лишайников.
***
Теорию цвета разработал Исаак Ньютон. Он первый показал разложение спектра на 7 цветов. Учёный доказал, что красный, жёлтый и синий – это основные цвета. Их невозможно получить путём смешивания. Остальные четыре цвета – дополнительные.
Французские пуантилисты активно использовали трактат химика Мишеля Эжена Шеврёля 1839 года.
Учёный показал, что цвета, расположенные напротив, усиливают звучание друг друга. Если расположить их на холсте рядом, они создают динамику, привлекают внимание зрителя.
Разработки Шеврёля применял Жорж Сёра и Поль Синьяк. Подобную технику использовал Николай Милиоти, например в портрете А.Боткиной.
Напомню, что Александра Павловна Боткина, в девичестве Третьякова была дочерью знаменитого коллекционера П.М.Третьякова и женой не менее знаменитого доктора.
***
Для современных художников немаловажна и теория Йоханнеса Иттена. Он разбил цветовой круг на 12 частей. Как и Ньютон Иттен выделил 3 основных цвета первого порядка и 4 дополнительных цвета второго порядка. И ещё добавил 5 цветов третьего порядка. Их получают путём слияния цветов второго порядка – жёлто-оранжевый, сине-фиолетовый.
Меня в этом разделе привлёк яркий фовистский портрет кисти Ольги Розановой.
Художница использовала пятна чистых цветов. На этикетке написано, что Ольга Владимировна написала портрет своей сестры. Есть мнение, что это её автопортрет.
К большому сожалению московского собирателя Романа Бабичева, эксперты не смогли установить авторство пейзажа «На даче».
В начале 2000-х годов коллекционер купил полотно в московском антикварном салоне. Предположительно, пейзаж мог написать художник круга Михаила Матюшина или кто-то из объединения «Союз молодежи». Есть предположения об авторстве Петра Львова, но доказательств у искусствоведов нет.
Композиция. Правила беспорядка
Под понятием “композиция” в изобразительном искусстве понимается способ организации предметов и людей на плоскости холста. В истории искусств известно множество различных вариантов их группировки. Художники используют пирамидальную композицию, когда предметы и герои встраиваются в визуальный треугольник.
Есть театральная композиция. Герои располагаются в центре на одной линии. Справа и слева симметрично им показаны “сопровождающие лица”, как массовка на сцене. Вспомните французского классика Никола Пуссена, особенно его “Великодушие Сципиона”. Неизвестный мастер следует традициям кулисной постановки и использует её в модернистском исполнении.
В “итальянском пейзаже” обязательно должны присутствовать три плана – коричневый (земля), зелёный (трава, поле, лес) и голубой (небо и/или море).
Натюрморт тоже предполагает особые законы, на которые на рубеже XIX-XX столетий уже мало кто обращал внимание.
Но взгляните на натюрморт из Екатеринбургского музея.
Предметы трактуются довольно условно. Но их компоновка вполне соответствует классической гармоничной композиции. Коричневая корзина на фоне стены почти такого же цвета оттеняется белой салфеткой, а рыбы подчеркиваются белизной чашки.
В академической картине художники всегда передавали иллюзию пространства светотенью и перспективным построением.
***
В середине XIX века художники стали отходить от классических законов. А эпоха модернизма и вовсе перевернула всё с ног на голову. Революционно настроенные молодые мастера стали задаваться вопросами:
✅ Зачем применять несколько планов, когда можно всё поместить на одну плоскость?
✳ К чему симметрия?
✅ Почему нельзя добавлять литеры и геометрические фигуры?
✳ Почему асимметрия – это плохо?
✅ Разве обязательно делать предметы объёмными? Ведь и без этого понятно отличия яблока от груши и графина от чашки!
✳ Как бы добавить движения?
К тому же, в искусстве начала ХХ века появились беспредметные композиции. Мастера решали совершенно новые задачи: распределение цветов, плоскостей и линий без опоры на натуру. Поэтому модернисты смело экспериментируют не только с композиционными решениями, но и с цветом, формой, объёмом, фактурой, фоном.
На выставку “Автор неизвестен” привезли разные работы начала ХХ века. Натюрмортам выделен отдельный стенд. Их можно сравнить друг с другом. Например, совершенно классический натюрморт с глиняным горшком
соседствует с постановкой, где кувшин превращается в круг и прямоугольник на фоне зеленой полосы.
Фактура. Очень трогательно
Передавать особенности поверхности предмета стремились ещё малые голландцы. Вспомните их натюрморты с пупырчатой кожурой лимона, шероховатыми грецкими орехами, шелковистой тканью скатертей. Модернисты пошли намного дальше.
Они стали наносить масляные краски не кистью, но мастихином. Особенно так любил работать М.А.Врубель. Авангардисты часто писали пастозными фактурными мазками. Чтобы избежать гладкости масла, они подмешивали в картину песок. Частью композиции стали игральные карты, обрывки обоев и вырезки из газет, этикетки.
Отец русского футуризма Давид Бурлюк называл живописную фактуру “плоскостями застывших цветных лав”. На выставке представлен его женский портрет.
Мастер называл свою модель “Царицей Вильгельмова бала”. На дальнем плане за правым плечом дамы Бурлюк изобразил фигурки пляшущих скелетов, как образ смерти.
Все картины из раздела “Фактура” снабжены лупами. Сквозь увеличительное стекло посетители могут разглядеть технику работы мастеров.
Форма. Органика и кубизм
В изобразительном искусстве выделяют два основных вида форм: органическую и геометрическую. Реалисты изображали природную форму плавными линиями. Модернисты шли вслед за Сезанном, который провозгласил:
«Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса».
И они трактовали!
В этом разделе я выделила несколько пейзажей.
Два оставшиеся раздела выставки поместили на третьем этаже.
Точка и линия. Превращения
Рисунок начинается с линии. Линии бывают плавные, прямые, искривлённые, зигзагообразные… Плавные линии придают изображению мягкость, тягучесть, замедленность движения.
Угловатые и рубленые линии концентрируют в себе энергию.
В этом разделе показаны, в основном, графические работы. Из нескольких живописных полотен представлю автопортрет художницы и писательницы Маргариты Сабашниковой, супруги М.Волошина.
Движение и звук. Зримое и воображаемое
С незапамятных времён художники ставили перед собой задачу передачи движения в изображении. В примитивных наскальных рисунках, например в пещере Ласко, мы ощущаем бег табуна коней или стада бизонов. Академисты старались передать движение в картине композиционными приёмами, вспомните “суриковскую диагональ”.
Итальянских футуристов, поставивших во главу угла передачу скорости движения, дразнили “множителями”. Чтобы показать движение, они “множили” предмет, изображали его несколько раз, накладывая друг на друга. Русские авангардисты стали кубо-футуристами, они соединили два направления. Яркий пример кубофутуристической картины – пейзаж Ольги Розановой “Пожар в городе”.
Все предметы пейзажа художница разложила на геометрические фигуры и соединила части в другом порядке. От этого создаётся иллюзия движения. Более того, кажется, что её машины, пожарные, пешеходы не просто полны энергии действия, но и издают звуки. Мы слышим шум охваченного паникой города.
Гвоздём этого раздела считается работа В.Кандинского. В своих композициях он старался выразить музыкальные звуки. В зале рядом с его полотном можно послушать мелодию и проверить, насколько она соответствует цветовым пятнам и линиям ха холсте.
Завершу обзор работой в иконописных традициях “Девушка с коромыслом”. Написана картина гуашью. “Девушка с коромыслом” появилась на свет скорее всего после 1917 года, но не позже 30-х годов.
Диагональной композицией автор передал движение. А в угловатые линии и цвет вложил мощную энергию. Ведь так и видится, как она “перелетает” через ручей и в голове слышится народная песня “Пошла млада за водой”.
Выставка “Автор неизвестен”. Посетителю на заметку
Музей Русского импрессионизма работает без выходных и открыт он до 20 часов. Открывается экспозиция в 11.00, а по четвергам и субботам работает с 12 до 21 часа.
Мы составили подробный навигатор с подсказками-картинками о том, как добраться до музея.
Музей стоит на равном расстоянии от станций метро «Белорусская» и «Динамо» на нечётной стороне Ленинградского проспекта, д.15 стр.11. Мне удобнее идти до него от станции «Белорусская».
