«Парижская школа»

Название этого явления в искусстве несколько странное, подразумевает, что другие города исключались из этого объединения. Но в этом есть большая доля правды. Ведь как ни важны были другие художественные центры, Париж всегда считался особенным местом, все художники туда стремились и хорошо понимали, что в Париж нужно быть призванным. В России о «Парижской школе» впервые услышали лишь в 1925 году, настолько это понятие было размыто.
В историю искусства определение  Ecole de Paris — «Парижская школа» внёс критик Андре Варно. Этим словосочетанием он обозначил сообщество художников, которые приезжали в Париж в начале ХХ века, с 1900 по 1920-е годы из разных европейских стран  и даже Америки. Точное число мастеров, включённых в понятие «Парижская школа» не определено. Называют разные имена, от ста до тысячи художников, работавших в Париже в это время.

Жили  молодые художники  на Монпарнасе, там же и создавали свои произведения. Этот район расположен в южной части Парижа. После легендарного Монмартра он стал центром художественной и поэтической жизни Парижа и оставался им до 40-х и даже 60-х годов ХХ века.

Художники Парижской школы — понятие условное. У названных мастеров не было единой программы и художественных целей. Манера их письма очень разнилась. Они никогда не составляли единую группу. Да и само название «Парижская школа» появилось лишь в монографии  1925 года о современном искусстве. Но их связывало стремление к профессиональному общению и свободному поиску. Да и сам Париж и тот район, где они жили, в начале ХХ века был так называемой «столицей искусств».

Чтобы познакомится с атмосферой Монпарнаса того времени, нужно взглянуть на старые фотографии. живописных и фотографических видов Парижа. Многие мастера жили в «Улье», как называли его обитатели это здание круглой формы. В нём размещались мастерские художников. «Улей» был одним из павильонов всемирной выставки.

Молодые люди были завсегдатаями  кафе «Клозери де Лила», «Ротонда», «Дом». Они часто  посещали танцевальные залы «Бал Табарэн» и «Бал Бюлье». Художники и их близкие друзья устраивали там костюмированные балы и интересно проводили время. Виды этих мест сохранились на старых фотографиях и  на ярких экспрессивных полотнах Давида Штеренберга.

Молодые представители художественной жизни очень любили всякого рода розыгрыши. При кафе «Проворный кролик» жила ослица Лоло, она очень любила выпрашивать у посетителей еду и не гнушалась спиртным. Однажды художники, подпоив ослицу, привязали к её хвосту кисть и ведёрко с красками. Махая хвостом, задевая разные краски, Лоло взмахами хвоста намалевала на холсте рисунок. Мазню назвали «Заход солнца за Адриатическое море» и продали за 400 франков.

Самые яркие представители «Парижской школы» –  Пабло Пикассо, Марк Шагал, Амедео Модильяни и Хаим Сутин.  Другие художники, входившие в этот круг —   Кес Ван Донген из Голландии,  Моисей Кислинг и Эжен Зак — из Польши,  Константин Брынкуш (Бранкузи) из Румынии,  Жюль Паскен  из Болгарии,  Диего Ривера из Мексики,  Тсугуахаро (Леонар) Фужита из Японии. «Юкки, богиня снега»

Там работали русские художники и выходцы из российской империи: супруги Наталия Гончарова и Михаил Ларионов, Елена Эттинген и Серж Фера, Маревна (Мария Воробьева-Стебельская), Мария Васильева, Михаил Кокоин,  Пинхус Кремень, Мане-Катц, Сергей Шаршун, Леон Инденбаум, Леопольд Сюрваж, Ладо Гудиашвили, Давид Какабадзе, Георгий Якулов Давид Штеренберг. Среди них были скульпторы Александр Архипенко, Осип Цадкин, Оскар Мещанинов, Хана Орлова, Яков (Жак) Липшиц,  и многие другие.

Художники были тесно связаны с литераторами, среди их друзей было много людей, так или иначе вошедших в историю искусств. Это знаменитые писатели, поэты, критики — Гийом Аполлинер, Макс Жакоб, Жан Кокто, Гертруда Стайн, Андре Сальмон, Анри Варно. Стоит упомянуть продавцов картин (маршаны) и владельцев галерей Амбруаза Воллара, Анри Канвейлера, Поля Гийома, Адольфа Баслера. В этот круг входили и «музы» мастеров – подруги, жёны и натурщицы — Юкки Деснос Фужита, Мари Лорансен, и легендарная Кики. Без них  атмосфера того времени была бы далеко не полной.

Для становления искусства ХХ века вообще и «Парижской школы» в частности, очень важны открытия XIX столетия, особенно творчество Сезанна. Именно он сделал то, без чего авангард не возможен. Мастер сумел остановить глаз зрителя на полотне. Даже  небольшую картину Сезанн превращал в монументальное полотно.

На открытия Сезанна, несомненно, опирался и Андре Дерен. Он начинал как фовист, но позже стал работать в другом ключе. («Купальщик», «Портрет Матисса»)

Первым авангардным направлением ХХ века стал фовизм. К группу фовистов входил и Марке. «Набережная Сен-Мишель».

Его пейзаж несколько графичен, а поверхность реки потрясающе красива. Это новое отношение к городскому пейзажу. Марке уже далеко ушёл от Пьера Бонара и его модернизма.

Одним из самых смелых представителей «Парижской школы» стал голландец Кес Ван Донген. Он входил в группу фовистов.  Мастера-фовисты совсем не стремились преобразовать форму. Они искали новую выразительность и  достигали её, в основном,  усиливая яркость и звучность красок. Работали они  крупными цветовыми плоскостями.  Ван Донген  мастер, который шокировал буржуазные вкусы откровенными сценами («Испанская шаль»,

«Женщина с черной перчаткой»).

Он показал себя и как весьма тонкий пейзажист («Решётка Елисейского дворца») и как очень внимательный портретист ( портреты Поля Гийома, Даниэля Анри Канвейлера и Поля Гийома,  «Испанка»).

Но главной личностью, которая начинает само понятие «Парижской школы» стал Пабло Пикассо.  Его философия кубизма открыла новое направление в искусстве. В коллекции ГМИИ можно видеть его ранние кубистические произведения – «Домик в саду», «Дама с веером».

Они показывают, как Пикассо последовательно развивал придуманную им систему совмещения в единой композиции нескольких точек зрения на один объект – будь то пейзажный мотив или фигура человека.

Интересно, что Анри Руссо не входит в понятие «Парижская школа», он жил в Париже, не был приезжим. Однажды Руссо сказал Пикассо, что тот работает в египетском стиле, а он — в современном. Пикассо очень обиделся на это замечание.

Одними из самых знаменитых мастеров «Парижской школы» стали  Амедео Модильяни и Хаим Сутин. Они прибыли в Париж из разных уголков Европы.  В 1906 году из Италии, Ливорно,  приехал Модильяни. Шестью годами позже, в 1912 из западной части Российской империи, из литовского Вильно приехал Сутин. Два эти очень непохожие внешне мастера волею судьбы стали соседями в знаменитом «Улье» и очень подружились.

Амедео Модильяни — его живопись и графика отличается своей  отточенностью. Фигуры людей на его полотнах стройны, вытянуты. Образы женщин поражают утончённой чувственностью.  Модильяни умеет превращать любую модель в универсальный, канонический тип и именно это восхищает в его творчестве. «Лежацая обнажённая»

В картинах Сутина ясно выражена внутренняя энергетика,  драматичность и даже трагичность, которая искажает очертания лиц, фигур, домов, деревьев, мёртвой дичи в натюрмортах, портретах и пейзажах. Особенно притягательны черты внутреннего надлома и драмы, которая охватывает души многих его персонажей.  Сутин не пишет знаменитостей, его интересуют люди незаметные, одинокие, с несчастной судьбой, это поварёнок, певчий. даже шафер на свадьбе. «Маленький кондитер».

Заметной представительницей «Парижской школы» была Наталья Гончарова. Она писала театральные декорации для «Русских сезонов» Дягилева и с удовольствием украшала своими панно ежегодные благотоврительные «Балы художников»   в известном танцзале «Бал Бюлье».  Н.Гончарова «Испанка».

Впервые в 1910 году в Париж приехал Марк Шагал и прожил там до 1914 года.

В творчестве Шагала открытия новейших на тот момент открытия футуризма и кубизма сплавляются воедино с еврейской народной и поэтической традицией. Он посвящает свои работы воспоминаниям о родном Витебске и его друзям в Париже —  Пабло Пикассо и Гийому Аполлинеру. Шагал преобразует в фантасмагорические видения наполняет удивительной экспрессией. В его полотнах поэтичность и метафоричность. В пространстве нет ни глубины, в композициях — ни начала, ни конца.

«Видение. Автопортрет с музой».

Мастер пишет реальные виды и вплетает в них свою фантазию. В поэтической форме Шагал соединяет домашний мир его родного города и богемную атмосферу Парижа.

Ладо Гудиашвили – выходец из Грузии, поэт сказаний Кавказа и утонченных легенд. Он воплотил поэтику родного края в  изящных  образах женщин (  «В водах Цхенис-Цхали» «Весна. Зеленая женщина»).

Виды парижских уголков  или юга Франции жителя «Улья» Давида Штернберга по манере больше напоминают работы раннего кубизма. В крупном полотне «Город» («Метрополь») армянина Георгия Якулова наоборот, черты поздней, динамической стадии этого направления.

Константина Бранкузи из Румынии  — весьма интересный и своеобразный скульптор. «Спящая муза»)

«Поцелуй»

Отдельное место среди мастеров «Парижской школы» занимают работы Марии Васильевой. Она прошла «школу кубизма», и  создала композиции, где воплотила свою любовь к народным картинкам и игрушкам («Карусель»), а также к наивной народной религиозной живописи («Мадонна с младенцем»).

Она сочетала это с техникой, напоминающей коллаж («Дама с веером и газетой»).

Стоит упомянуть и нашу соотечественницу  Маревну (Мария Воробьева-Стебельская), Две её масштабные работы  названы одинаково —  «Посвящается друзьям с Монпарнаса». Написаны они много позже,  в начале 1960-х годов, но их стилистика апеллирует к традиции кубизма с его «секущими» линиями и плоскостями. На обоих полотнах мы видим саму Маревну с маленькой дочерью, а рядом – художников Амедео Модильяни и его музу и жену Жанну Эбютерн. Она изобразила  Хаима Сутина, Диего Риверу, Моисея Кислинга, Осипа Цадкина, галериста Леопольда Зборовского, поэта Макса Жакоба, писателей и журналистов из России Илью Эренбурга и Максимилиана Волошина, даже  Максима Горького, который не был прямо связан с бурной историей Парижской школы. Но писатель  благословил художницу на парижскую жизнь  и придумал ей сказочно-былинное имя – Маревна.

«Парижская школа» формировала  важнейшие художественные процессы  Европы в начале ХХ века. В ней активно участвовали представители разных национальных школ. Но именно в сердце Франции, в Париже, национальные традиции переплавлялись, произведения приобретали национальную окраску. И многие важнейшие течения искусства первой половины ХХ столетия (фовизм, экспрессионизм, кубизм, сюрреализм и дадаизм) начали жизнь именно здесь, на Монпарнасе, в маленьком «Улье».

Снимки взяты с разных источников, находящихся в свободном доступе в интернете.

Поделиться в
Звёзд: 1Звёзд: 2Звёзд: 3Звёзд: 4Звёзд: 5 (Пока оценок нет, будьте первым! Оцените пожалуйста материал.)
Загрузка...

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *